Arte japonés

El arte de Japón (日本美術 Nippon bijutsu) es una expresión de la cultura japonesa, desarrollada a lo largo del tiempo en diversos períodos y estilos que han ido sucediendo cronológicamente, en paralelo a la evolución histórica, social y cultural del pueblo japonés.

La evolución del arte japonés ha estado marcada por el desarrollo de su tecnología, siendo una de sus señas distintivas el uso de materiales autóctonos.

Al igual que en el arte occidental, las principales manifestaciones artísticas han tenido sus orígenes en la religión y el poder político. Una de las principales características del arte japonés es su eclecticismo, derivado de los diversos pueblos y culturas que han llegado a sus costas a lo largo del tiempo: los primeros pobladores de Japón -conocidos como ainu- pertenecían a una rama caucásica procedente del norte y este de Asia, posiblemente llegando cuando Japón todavía estaba unido al continente.

El origen de estos colonos es incierto, y los historiadores consideran varias hipótesis, desde una raza Ural-Altaica hasta un posible origen indonesio o mongol. En cualquier caso, su cultura parecía corresponder al Paleolítico Superior o Mesolítico.

Posteriormente, varios grupos de raza malaya procedentes del sudeste asiático o de las islas del Pacífico llegaron a las costas japonesas -al mismo tiempo que a Corea y varias partes de China- y fueron introducidas paulatinamente desde el sur, desplazando a los ainu hacia el norte de Japón. mientras que en una oleada posterior varios grupos de la misma etnia llegaron a Japón desde China y Corea.

A esta mezcla racial hay que sumar la influencia de otras culturas: debido a su insularidad, Japón ha estado aislado durante gran parte de su historia, pero a intervalos ha sido influenciado por civilizaciones continentales, especialmente de China y Corea, especialmente desde el siglo V. .

Así, a la ancestral cultura japonesa derivada de sucesivas oleadas de inmigración se sumó la influencia extranjera, forjando un arte ecléctico abierto a la innovación y al progreso estilístico.

También vale la pena señalar que gran parte del arte producido en Japón ha sido de carácter religioso: a la religión sintoísta, la más típicamente japonesa, formada alrededor del siglo I, se añadió el budismo hacia el siglo V, forjándose un sincretismo religioso que aún perdura hoy, y que también se ha reflejado en el arte.

El arte japonés es así un reflejo de estas diferentes culturas y tradiciones, interpretando a su manera los estilos artísticos importados de otros países, que asumen según su concepción de la vida y el arte, reinterpretando y simplificando sus peculiares características, como el elaborado chino. Templos budistas, que en Japón sufrieron un proceso de reducción de sus elementos superfluos y decorativos.

Esto demuestra el carácter sincrético del arte japonés, que siempre ha aceptado con naturalidad cualquier innovación procedente de otros países.

En la cultura japonesa, el arte tiene un gran sentido de introspección e interrelación entre el hombre y la naturaleza, representado también en los objetos que lo rodean, desde los más ornamentados y rotundos hasta los más sencillos y cotidianos.

Esto se evidencia en el valor que se le da a la imperfección, a lo efímero de las cosas, al sentido emocional que el japonés establece con su entorno.

Así, por ejemplo, en la ceremonia del té, los japoneses valoran la calma y tranquilidad de ese estado de contemplación que logran con un ritual sencillo, basado en elementos simples y una armonía proveniente de un espacio asimétrico e inacabado.

Para los japoneses la paz y la armonía están asociadas a la calidez y el confort, cualidades que son a su vez fiel reflejo de su concepto de belleza.

Incluso a la hora de comer, no es la cantidad de comida ni su presentación lo que importa, sino la percepción sensorial de los alimentos y el sentido estético que le dan a cualquier acto. Del mismo modo, los artistas y artesanos japoneses tienen un alto grado de apego a su trabajo, sintiendo los materiales como parte esencial de su vida y de su comunicación con el entorno que les rodea.

Fundamentos del arte japonés

El arte japonés, como el resto de su filosofía -o, simplemente, su manera de ver la vida- es proclive a la intuición, la falta de racionalidad, la expresión emocional y la sencillez de actos y pensamientos, muchas veces expresados ​​simbólicamente.

Dos de sus características distintivas son la sencillez y la naturalidad: las manifestaciones artísticas son un reflejo de la naturaleza, por lo que no requieren de una producción elaborada, sino que se basan en una economía de medios que confiere al arte una gran trascendencia, como reflejo de algo superior que es sólo esbozado, sugerido, siendo posteriormente interpretado por el espectador.

Esta sencillez provocó en la pintura una tendencia al dibujo lineal, sin perspectiva, con abundancia de espacios vacíos, que sin embargo se integran armoniosamente en el conjunto. En arquitectura se refleja en diseños lineales, con planos asimétricos, en una conjunción de elementos dinámicos y estáticos.

A su vez, esta sencillez se relaciona con una naturalidad innata en la relación entre arte y naturaleza, que para los japoneses es un reflejo de su vida interior, y la sienten con una delicada sensación de melancolía, casi tristeza. En particular, el paso de las estaciones les da una sensación de fugacidad, viendo en la evolución de la naturaleza lo efímero de la vida.

Esta naturalidad se refleja especialmente en la arquitectura, que se integra armoniosamente en su entorno, como se evidencia en el uso de materiales naturales, sin trabajar, mostrando su aspecto tosco, tosco, inacabado.

En Japón, la naturaleza, la vida y el arte están inextricablemente vinculados, y los logros artísticos son un símbolo de la totalidad del universo. En Japón, el arte aspira a lograr la armonía universal, yendo más allá de la materia para encontrar el principio dador de vida. La estética japonesa busca encontrar el sentido de la vida a través del arte: la belleza es armonía, creatividad; es un impulso poético, un camino sensorial que conduce a la realización de la obra, que no tiene finalidad en sí misma, sino que va más allá.

La belleza es una categoría ontológica, que remite a la existencia: consiste en alcanzar sentido con el todo. Como decía Suzuki Daisetsu: “la belleza no está en la forma externa, sino en el significado que expresa”. El arte no se basa en cualidades sensibles, sino sugerentes; no tiene que ser perfecto, sino expresar una cualidad que conduzca a la totalidad.

Se pretende captar lo esencial a través de la parte, que sugiere el todo: el vacío es un complemento de lo existente. En la filosofía oriental existe una unidad entre materia y espíritu, predominando la contemplación y la comunión con la naturaleza, a modo de adhesión interior, de intuición.

En Japón, el arte (gei) tiene un sentido más trascendente, más inmaterial que el concepto de arte aplicado en Occidente: es cualquier manifestación del espíritu -entendido como energía vital, como esencia que da vida a nuestro cuerpo-, convirtiéndolo en desarrollarse y evolucionar, logrando una unidad entre cuerpo, mente y espíritu.

El sentido del arte se ha ido desarrollando en la estética japonesa a lo largo del tiempo: las primeras reflexiones sobre el arte y la belleza provienen de la antigüedad, cuando se forjaron los principios creativos de la cultura japonesa y surgieron las principales obras épicas de la literatura japonesa:

• el Kojiki (Cuentos de cosas antiguas),
• los Nihonshoki (Anales de Japón)
• y el Man'yōshū (Colección de las Diez Mil Hojas).

Predominaba en esta época el concepto de sayakeshi ("puro, claro, fresco"), que hacía referencia a un tipo de belleza caracterizada por la sencillez, la frescura, una cierta ingenuidad, perceptible en el uso de materiales ligeros y naturales, como la tierra cocida. de estatuillas haniwa o de madera en la arquitectura.

Un buen ejemplo de ello es el templo sintoísta de Ise, construido en madera de ciprés, que ha sido reconstruido cada veinte años desde el siglo VIII para preservar su pureza y frescura. De este concepto surge una de las constantes del arte japonés: el valor que se otorga a la belleza efímera, transitoria, fugaz, que evoluciona con el tiempo.

En Man'yōshū sayakeshi se refleja en los sentimientos de fidelidad y honestidad, así como en la representación de elementos naturales como el cielo y el mar, que inspiran una sensación de grandeza que abruma al hombre.

Sayakeshi está vinculado al concepto de naru (“devenir”), donde se valora el tiempo como energía vital que converge en el devenir, en la consumación de todos los actos y de todas las vidas. Posteriormente, durante los periodos Nara y Heian, la estética japonesa evolucionó rápidamente gracias a su contacto con la cultura china, así como a la llegada del budismo. El concepto principal de este período era la conciencia, un sentimiento emocional que abruma al espectador y conduce a un profundo sentimiento de empatía o lástima.

Se vincula a otros términos como okashi, aquello que atrae por su alegría y carácter agradable; omoshiroshi, propiedad de las cosas radiantes, que llaman la atención por su brillo y claridad; yūbi, concepto de gracia, elegancia; yūga, cualidad del refinamiento en la belleza; es, la atracción del encanto; rei, la belleza propia de la calma; yasashi, la belleza de la discreción; y ushin, el sentido profundo de lo artístico.

Un hito en la cultura japonesa de esta época fue el Cuento de Genji de Murasaki Shikibu, que encarnó un nuevo concepto estético llamado mono-no-aware -término introducido por Motōri Norinaga-, que transmite un sentimiento de melancolía, de tristeza contemplativa derivado de la fugacidad. de las cosas, de una belleza efímera, que dura un instante y perdura en la memoria.

Es un estado de recreación derivado de la fugacidad de las cosas y de una tristeza agridulce a su paso, equivalente en cierta medida al pathos griego y al término virgiliano lacrimae rerum ("lágrimas de las cosas"). En palabras de Kikayama Keita: “es el sentimiento profundo que nos embarga cuando contemplamos una hermosa mañana de primavera, y también la tristeza que nos embarga cuando contemplamos un atardecer de otoño.  

Esta idea de una búsqueda ideal de la belleza, de un estado de contemplación donde se unen el pensamiento y el mundo de los sentidos, es característica de la sensibilidad innata japonesa hacia la belleza, y se hace evidente en el festival Hanami, basado en la contemplación de la cereza. flores.

Durante la Edad Media japonesa (períodos Kamakura, Muromachi y Momoyama), paralelamente al militarismo de la sociedad feudal japonesa, se afianzó el concepto de dō ("camino"), enfatizando el proceso creativo del arte, la práctica ceremonial de los ritos sociales, como evidenciado en shodō (caligrafía), chadō (ceremonia del té), kadō o ikebana (el arte de arreglar flores) y kōdō (ceremonia del incienso).

En estas prácticas no es el resultado lo que importa, sino el proceso evolutivo, el devenir en el tiempo -nuevamente el naru-, así como el talento demostrado en la perfecta ejecución de los ritos, lo que denota destreza, así como un esfuerzo espiritual por lograrlo. perfección.

Estos nuevos conceptos fueron influenciados decisivamente por una variante del budismo llamada Zen, que enfatizaba ciertas "reglas de vida" basadas en la meditación, donde la persona pierde la autoconciencia. Así, cualquier trabajo diario trasciende su esencia material para significar una manifestación espiritual, que se refleja en el movimiento y paso ritual del tiempo.

Este concepto también se refleja en la jardinería, que alcanza tal grado de trascendencia que el jardín es una visión del cosmos, con un gran vacío (mar) que se llena de objetos (islas), plasmados en arena y rocas, y donde la vegetación evoca el paso del tiempo.

La ambivalencia zen entre la simplicidad y la profundidad de una vida trascendente imbuyó un espíritu de "simple elegancia" (wabi) no sólo en el arte, sino también en el comportamiento, las relaciones sociales y los aspectos más cotidianos de la vida. El Maestro Sesshū decía que "el Zen y el arte son uno".

El Zen se basa en siete principios estéticos: fukinsei (asimetría), forma de negar la perfección para lograr el equilibrio presente en la naturaleza; kanso (austeridad), eliminar lo innecesario y superfluo para descubrir la sencillez de la naturaleza; kokō (dignidad solitaria), cualidad que adquieren las personas y los objetos con el paso del tiempo y les confiere una mayor pureza de su esencia;

shizen (naturalidad), que está ligada a la sinceridad, lo natural es auténtico e incorruptible;

yūgen (profundidad), la verdadera esencia de las cosas, que trasciende su mera materialidad, su aspecto superficial; datsuzoku (desapego), libertad en la práctica de las artes, cuya misión es liberar el espíritu, no controlarlo-así, el arte prescinde de todo tipo de normas y reglas; seiyaku (serenidad interior), un estado de quietud, de calma, necesario para el flujo de los seis principios anteriores. Particularmente significativa es la ceremonia del té, donde se sintetiza magistralmente el concepto japonés de arte y belleza, creando una auténtica religión estética: el "teísmo". Esta ceremonia representa el culto a lo bello en oposición a la vulgaridad de la existencia cotidiana.

Su filosofía, tanto ética como estética, expresa la concepción integral del hombre con la naturaleza. Su sencillez relaciona las pequeñas cosas con el orden cósmico: la vida es una expresión y los actos reflejan siempre un pensamiento. Lo temporal es igual a lo espiritual, lo pequeño a lo grande.

Este concepto también se refleja en el salón de té (sukiya), una construcción efímera debida a un impulso poético, despojada de ornamentación, donde se rinde culto a lo imperfecto, y siempre se deja algo inacabado, que completará la imaginación.

La ausencia de simetría es característica, debido a la concepción Zen de que la búsqueda de la perfección es más importante que la perfección misma.

La belleza sólo puede ser descubierta por aquel que mentalmente completa lo incompleto. Finalmente, en el período moderno, a partir del período Edo, aunque se mantienen los conceptos anteriores, se introdujeron algunas categorías estéticas nuevas, relacionadas con las nuevas clases urbanas que surgieron a medida que Japón se modernizaba:

sui es una cierta delicadeza espiritual, que se encuentra principalmente en la literatura de Osaka; el iki es una elegancia honesta y directa, presente especialmente en el teatro kabuki; karumi es un concepto que ensalza la ligereza como cualidad esencial bajo la cual se alcanza la “profundidad” de las cosas, reflejada especialmente en la poesía haiku;

shiori es una belleza nostálgica; hosomi es un manjar que llega a la esencia de las cosas; y sabi es belleza sencilla, despojada, sin adornos ni artificios, ensalzando valores como la pobreza y la soledad.

Este último se vinculó al concepto anterior de wabi, creando una nueva noción llamada wabi-sabi, la trascendencia de la simplicidad, donde la belleza reside en la imperfección, en lo incompleto, basada en la fugacidad y la impermanencia. Detrás de todos estos conceptos vuelve a estar la idea del arte como un proceso creativo y no como una realización material.

Okakura Kakuzō escribió que "sólo los artistas persuadidos de la imperfección congénita de su alma son capaces de engendrar la verdadera belleza".

Periodización del arte japonés

Para su estudio, el arte de Japón se divide en períodos importantes en términos de producción artística y desarrollos políticos importantes. La clasificación suele variar según el criterio del autor, pudiendo muchas de ellas subdividirse. Por otro lado, también existen divergencias en cuanto al inicio y al final de algunos de estos períodos.

Arte Japonés Plástico 

Período Jōmon (11000 a. C.-500 a. C.)

Durante el Mesolítico y Neolítico Japón permaneció aislado del continente, por lo que toda su producción era autóctona, aunque de poca importancia. Eran sociedades semisedentarias, vivían en pequeños pueblos con casas excavadas en la tierra y obtenían sus recursos alimentarios principalmente del bosque (ciervos, jabalíes, nueces) y del mar (peces, crustáceos, mamíferos marinos).

Estas sociedades tenían una elaborada organización del trabajo y se ocupaban de la medición del tiempo, como lo demuestran varios restos de disposiciones circulares de piedra en Oyu y Komakino, que actuaban como relojes de sol.

Aparentemente tenían unidades de medida estandarizadas, como lo atestiguan varios edificios construidos según ciertos patrones. En los distintos yacimientos de Jōmon se han encontrado herramientas de hueso y piedras pulidas, cerámica y figuras antropomorfas. Cabe destacar que la cerámica Jōmon es la cerámica más antigua producida por el hombre: los primeros restos de cerámica rudimentaria datan del año 11.000 a.C., en pequeñas vasijas trabajadas a mano, con lados pulidos y amplios interiores, con sentido funcional y decoración austera.

Estos vestigios corresponden a un periodo denominado “prejōmon” (11000-7500 a.C.), al que sucedió el “arcaico” o “jomon temprano” (7500-2500 a.C.), donde se elabora la cerámica más típica de Jōmon, hecha a mano y decorada con incisiones o impresiones de cuerda, sobre una base de una especie de vasos profundos en forma de jarra.

La decoración básica consistía en impresiones realizadas con hilos de fibras vegetales, que se prensaban sobre la cerámica antes de cocerla. En varias zonas estas incisiones alcanzaron un alto grado de elaboración, con bordes perfectamente cincelados, dibujando una serie de signos de corte abstractos de gran complejidad.

En algunas ocasiones se han encontrado vestigios de escenas figurativas, generalmente dibujos antropomorfos y zoomorfos (ranas, serpientes), destacando una escena de caza presente en un jarrón encontrado en Nirakubo, al norte de Honshū.

Finalmente, en el "tardío Jōmon" (2500-400 a. C.), las vasijas vuelven a formas más naturales, menos elaboradas, con cuencos y vasijas con fondos redondeados, ánforas de cuello estrecho y cuencos con asas, a menudo con un pie o base elevada. .

Los principales sitios de cerámica Jōmon son: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Natsushima, Kamo y Okinohara en la isla de Honshū; Sobata en la isla de Kyūshū; y Hamanasuno y Tokoro en la isla de Hokkaidō.

Además de los jarrones, se construyeron en cerámica varias figurillas con forma humana o animal, construidas por partes, por lo que se han encontrado pocos restos de piezas enteras. Los de forma antropomorfa pueden tener atributos masculinos o femeninos, y también se han encontrado algunos con signos andróginos.

Algunos tienen el vientre abultado, por lo que posiblemente estaban vinculados al culto a la fertilidad. Cabe destacar la precisión en los detalles que muestran algunas figuras, como peinados elaborados, tatuajes y vestimentas . Parece ser que en estas sociedades el adorno corporal tenía gran relevancia, principalmente en las orejas, con aretes cerámicos de diversa manufactura, decorados con pigmentos rojos.

En Chiamigaito (isla Honshū) se han encontrado más de 1.000 de estos adornos, lo que sugiere un taller local para la elaboración de estos productos. De esta época también datan diversas máscaras que indican un trabajo individualizado en los rostros.

Asimismo, se elaboraban diversos tipos de cuentas de jadeíta verde, y sabían trabajar con laca, como lo demuestran varias horquillas encontradas en Torihama. También se han encontrado restos de espadas realizadas en marfil, hueso o astas de animales.

Período Yayoi (500 a. C.-300 d. C.)

En este período se produjo el establecimiento definitivo de la sociedad agrícola, lo que provocó la deforestación de grandes extensiones del territorio. Esta transformación supuso una evolución de la sociedad japonesa en el ámbito tecnológico, cultural y social, con una mayor estratificación social y especialización del trabajo, y propició un aumento de las guerras.

El archipiélago japonés estaba salpicado de pequeños estados formados en torno a clanes (uji), entre los que prevalecía el clan Yamato, que dio origen a la familia imperial. Apareció el sintoísmo, una religión mitológica que hacía descender al emperador de Amaterasu, la diosa del sol.

Esta religión dio origen al sentido original de pureza y frescura del arte japonés, con predilección por los materiales puros, sin decoración, con un sentido de integración con la naturaleza (kami o supraconciencia).

A partir del siglo I a.C. se empezó a introducir civilización desde el continente, debido a las relaciones con China y Corea. La cultura Yayoi apareció en la isla de Kyūshū alrededor del 400-300 a.C., pasando a Honshū, donde poco a poco desplazó a la cultura Jōmon. Durante este período estaba muy extendido una especie de gran cámara funeraria y túmulo ornamentado con cilindros de terracota con figuras humanas y animales.

Los asentamientos fueron cercados por acequias, y aparecieron diversos utensilios relacionados con la agricultura (especialmente una herramienta de piedra en forma de media luna utilizada para la recolección), así como diversas armas, como arcos y flechas con puntas de piedra pulida.

La alfarería se producía en el torno de alfarero, principalmente tinajas de cuello ancho, tinajas con tapa, platos anchos, tazas con asas y botellas de cuello estrecho. Eran de superficie pulida, con decoración , principalmente incisiones, punteados y serpentinas en zig-zag.

La modalidad principal era una vasija en forma de jarra llamada tsubo. Destacaron las orfebrerías, principalmente de bronce, como las campanas llamadas dotaku, que servían como objetos ceremoniales, decoradas con espirales (ryusui) en forma de agua corriente, o animales en relieve (principalmente ciervos, pájaros, insectos y anfibios), así como como escenas de caza, pesca y trabajos agrícolas, especialmente los relacionados con el arroz.

El ciervo parece haber tenido un significado especial, quizás ligado a alguna divinidad: en muchos yacimientos se han encontrado multitud de omóplatos de ciervo con incisiones o marcas hechas a fuego, por lo que estaría vinculado a algún tipo de ritual.

Otros objetos decorativos encontrados en los sitios Yayoi incluyen espejos, espadas, cuentas diversas y magatama (piezas de jade y ágata en forma de anacardos, que servían como joyas ).

Período Kofun (300-552)

Esta época vio la consolidación del estado central imperial, que controlaba los principales recursos, como el hierro y el oro. La arquitectura se desarrolló preferentemente en el ámbito funerario, con características tumbas de cámara y corredor llamadas kofun ("tumba antigua"), sobre las cuales se levantaban túmulos de tierra de grandes proporciones.

Destacan las grandes tumbas de los emperadores Ōjin (346-395) y Nintoku (395-427), donde se conservan diversas joyas, armas, sarcófagos de piedra o terracota, cerámica y figuras antropomorfas de terracota llamadas haniwa, formadas por un pedestal cilíndrico y un Se encontraron medio busto.

Estas estatuillas medían unos 60 centímetros, sin apenas expresión, sólo algunas hendiduras en los ojos y la boca, aunque constituyen una muestra de gran relevancia del arte de esta época. Según su vestimenta y utensilios se pueden distinguir en estas figuras diversos oficios, como agricultores, soldados, sacerdotisas, cortesanas, músicos y bailarines.

A finales de este periodo también aparecieron figurillas de animales, especialmente ciervos, perros, caballos, jabalíes, gatos, gallinas, ovejas y peces.

Se ha encontrado una gran variedad de armas (equipos de arqueros, coronas con joyas de matagama, estribos de bronce), lo que indica la importancia del establecimiento militar en esta época, cuyos rasgos estilísticos están relacionados con la cultura Silla de Corea, así como una tipo de cerámica llamada Sueki, oscura y de gran finura, con accesorios tintineantes.

La diferenciación social llevó al aislamiento de las clases dirigentes en recintos exclusivos dentro de las ciudades, como en Yoshinogari, para acabar definitivamente segregadas en recintos aislados como el de Mitsudera o los complejos palaciegos de Kansai, Ikaruga y Asuka-Itabuki.

En cuanto a la arquitectura religiosa, los primeros templos sintoístas (jinja) estaban construidos en madera, sobre una plataforma elevada y paredes desnudas o tabiques corredizos, con pilares que soportaban el techo, que era inclinado. Uno de sus elementos característicos es el torii, un arco de entrada que señala el acceso a un lugar sagrado.

Cabe mencionar el santuario de Ise, que ha sido reconstruido cada veinte años desde el siglo VIII. Está compuesto por dos complejos, el occidental (Naikū), dedicado a Amaterasu (diosa del sol), y el oriental (Gekū), dedicado a Toyouke no Ōmikami (diosa de la vestimenta, la alimentación, la vivienda, la agricultura y la industria), con un total de unos 125 santuarios.

El edificio principal (Shoden) tiene planta elevada y techo a dos aguas, sobre nueve columnas, al que se accede por una escalera exterior.

Es de estilo shinmeizukuri, reflejando el estilo Shintō tardío, anterior a la llegada del budismo a Japón. El santuario es un centro de peregrinación (o-ise-mairi), ya que, según la tradición, los practicantes del Shintō deben visitar el santuario al menos una vez en la vida. Otro templo mítico de origen incierto es el de Izumo Taisha, cerca de Matsue, fundado legendariamente por Amaterasu. Es de estilo taishazukuri, considerado el más antiguo entre los santuarios, caracterizado por la elevación del edificio sobre pilastras, con una escalera como entrada principal y acabados sencillos en madera sin pintar.

Según las crónicas, el santuario original tenía una altura de 50 metros, pero debido a un incendio fue reconstruido con una altura de 25 metros. Sus edificios principales son el Honden ("santuario interior") y el Haiden ("santuario exterior"). A este período también pertenece el Kinpusen-ji, el templo principal del shugendō, una religión ascética que combina el sintoísmo, el budismo y las creencias animistas.

Su estructura incluye el templo principal o Zaōdō, que es la segunda construcción de madera más grande de Japón, sólo superada por el Daibutsuden de Tōdai-ji;

Junto con la Puerta Niō, ha sido catalogada como Tesoro Nacional de Japón. En este período encontramos las primeras muestras de pintura, como en el entierro real de Ōtsuka y las tumbas en forma de dolmen de Kyūshū (siglos V-VI), decoradas con escenas de caza, guerra, caballos, pájaros y barcos, o bien con espirales y círculos concéntricos.

Eran pinturas murales, realizadas con rojo hematita, negro carbón, amarillo ocre, blanco caolín y verde clorita. Uno de los dibujos representativos de este período es el llamado chokkomon, compuesto por líneas rectas y arcos dibujados sobre diagonales o cruces, y presente en las paredes de tumbas, sarcófagos, estatuas y espejos de bronce.

Período Asuka (552-710)

El estado Yamato forjó un reino centralizado siguiendo el modelo chino, plasmado en las leyes de Shōtoku-Taishi (604) y las Taika de 646. La llegada del budismo produjo en Japón un gran impacto a nivel artístico y estético, con fuerte influencia de Arte chino.

Especialmente fructífero para el arte fue el gobierno del príncipe Shōtoku (573-621), que favoreció el budismo y la cultura en general. La arquitectura, en forma de templos y monasterios, se perdió en su mayor parte, lo que implicó la sustitución de líneas sintoístas simples por la magnificencia del continente.

Como edificio más destacable de este período cabe mencionar el templo de Hōryū-ji (607), representativo del estilo Kudara (Paikche en Corea). Fue construido en el sitio del templo Wakakusadera, erigido por Shōtoku e incendiado por sus enemigos en 670.

Construido con una planimetría axial, consta de un conjunto de edificios donde destacan la pagoda (Tō), el Yumedomo ("salón de los sueños") y el Kondō ("salón dorado"). Es de estilo chino y por primera vez se utiliza un techo de tejas de cerámica.

Otro ejemplo característico es el Santuario Itsukushima (593), construido sobre el agua, en el mar interior de Seto, con el Gojūnotō ("pagoda de cinco niveles"), el Tahōtō ("pagoda de dos niveles") y varios honden (edificios con altares). ) destacando entre sus edificios. Fue nombrado Patrimonio de la Humanidad en 1996.

La escultura, de temática budista, era de madera o bronce: las primeras imágenes de Buda fueron importadas del continente, pero luego un gran número de artistas chinos y coreanos se establecieron en Japón.

Proliferó la imagen de Kannon, nombre japonés del bodhisattva Avalokiteśvara (llamado Guanyin en chino), al igual que el Bodhisattva Kannon, obra del Tori coreano; el Kannon situado en el Yumedomo del templo de Hōryū-ji; y el Kannon de Kudara (siglo VI), de artista desconocido.

Otra obra destacada es la Tríada Sâkyamuni (623), en bronce, de Tori Busshi instalada en el templo de Hōryū-ji. En general, eran obras de un estilo severo, anguloso y arcaizante, inspirado en el estilo coreano Koguryŏ, como se ve en la obra de Shiba Tori, que marcó el "estilo oficial" del período Asuka: el Gran Buda Asuka (Hoko-ji templo, 606), Buda Yakushi (607), Kannon Guze (621), Tríada Shaka (623).

Otro artista que siguió este estilo fue Aya no Yamakuchi no Okuchi Atahi, autora de Los Cuatro Guardianes Celestiales (shitenno) del Salón Dorado de Hōryū-ji (645), que a pesar del aire arcaico presentan una evolución volumétrica en las formas más redondeadas, con rostros más expresivos.

La pintura seguía patrones chinos, en tinta o pigmentos minerales sobre seda o papel, en pergaminos o colgados en la pared.

Denota un gran sentido del dibujo, con obras de gran originalidad, como el relicario Tamamushi (Hōryū-ji), en madera de alcanfor y ciprés, con bandas de filigrana de bronce, presentando varias escenas al óleo sobre madera lacada, en una técnica llamada mitsuda. -i de Persia y relacionado con la pintura china de la dinastía Wei.

En la base del relicario hay un jataka (relato de las vidas anteriores de Buda), que muestra al Príncipe Mahasattva ofreciendo su propia carne a una tigresa hambrienta. En este momento, la caligrafía comenzó a ganar prominencia y se le dio el mismo nivel artístico que las imágenes figurativas.

También destacaron los tapices de seda, como el Tenjukoku Mandala dedicado a Shōtoku (622). La cerámica, que podía ser vidriada o no, tenía poca producción local, siendo más valoradas las importaciones chinas.

Período Nara (710-794)

Durante este período se estableció la capital en Nara (710), la primera capital fija del mikado. El arte budista tuvo su apogeo durante este período, mientras que la influencia china continuó siendo fuerte: los japoneses vieron en el arte chino una armonía y perfección similar al gusto europeo por el arte grecorromano clásico.

Los pocos ejemplos de arquitectura de la época son edificios de aire monumental, como la Pagoda Oriental de Yakushi-ji, los templos de Tōshōdai-ji, Tōdai-ji y Kōfuku-ji, y el almacén imperial Shōso-in en Nara. que conserva multitud de objetos de arte de la época del emperador Shōmu (724-749), con obras procedentes de China, Persia y Asia Central.

La ciudad de Nara fue construida según un plan de cuadrícula, siguiendo el modelo de Chang'an, la capital de la dinastía Tang. Se concedió la misma importancia al palacio imperial que al monasterio principal, el Tōdai-ji (745-752), construido según una planta simétrica en un gran recinto con pagodas gemelas, y en el que se encuentra el Daibutsuden, el "gran salón del Buda". con una gran estatua de bronce del Buda Vairocana (Dainichi en japonés) de 15 metros, donada por el emperador Shōmu en 743.

Reconstruido en 1700, el Daibutsuden es el edificio de madera más grande del mundo. Otro recinto importante del templo es el Hokkedō ("sala del loto", también llamada Sangatsudō, "sala del tercer mes"), que cuenta con otra magnífica estatua, el Kannon Fukukenjaku, un bodhisattva de ocho brazos fabricado en laca y de cuatro metros de altura. y la influencia Tang, perceptible en la serenidad y placidez de los rasgos faciales.

Por otro lado, la Pagoda Este de Yakushi-ji fue un intento de los arquitectos japoneses por encontrar un estilo propio, alejándose de la influencia china. Destaca por su verticalidad, con cubiertas alternas de diferentes tamaños, dándole apariencia de signo caligráfico. En su estructura destacan los aleros y balcones, formados por rejas de madera entrelazadas, en colores blanco y marrón.

En su interior alberga la imagen del Yakushi Nyorai ("Buda de la Medicina"). Está registrado como Patrimonio de la Humanidad bajo la designación de Monumentos Históricos de la Antigua Nara.

Igualmente asimilado a nivel nacional fue el Tōshōdai-ji (759), que muestra un claro contraste entre el Kondō ("salón dorado"), de solidez, simetría y verticalidad de influencia china, y el Kodō ("sala de conferencias"), de carácter mayor sencillez y horizontalidad que denotan la tradición indígena.

Otro exponente fue el Kiyomizu-dera (778), cuyo edificio principal destaca por su enorme barandilla, sostenida por cientos de pilares, que sobresale de la colina y ofrece impresionantes vistas de la ciudad de Kioto.

Este templo fue uno de los candidatos a la lista de Nuevas Siete Maravillas del Mundo, aunque no fue elegido. Mientras tanto, Rinnō-ji es famoso por el Sanbutsudō ("Salón de los Tres Budas"), donde se encuentran tres estatuas laminadas en oro de Amida, Senjūkannon (Kannon de las mil armas) y Batōkannon (Kannon con cabeza de caballo).

Como santuario sintoísta, el Fushimi Inari-taisha (711), dedicado al espíritu de Inari, se destacó especialmente por los miles de toriis rojos que marcan el camino que baja de la colina en la que se encuentra el santuario.

La representación de Buda estuvo muy desarrollada en la escultura, con estatuas de gran belleza: Sho Kannon, Buda de Tachibana, Bodhisattva Gakko de Tōdai-ji. En el periodo Hakuhō (645-710), la destitución del clan Soga y la consolidación imperial supusieron el fin de la influencia coreana y su sustitución por la influencia china (dinastía Tang), produciéndose una serie de obras de mayor magnificencia y realismo, con formas más redondas y elegantes.

Este cambio es perceptible en el grupo de estatuas de bronce dorado de Yakushi-ji, compuesto por el Buda sentado (Yakushi) flanqueado por los bodhisattvas Nikko ("Luz del Sol") y Gakko ("Luz de la Luna"), quienes muestran mayor dinamismo en su postura de contrapposto. y mayor expresividad facial.

En cambio, en Hōryū-ji continuó el estilo Tori de origen coreano, como en el Kannon Yumegatai y la Tríada Amida del Relicario de Lady Tachibana. En el templo de Tōshōdai-ji se encuentra una tríada de estatuas de tamaño colosal, realizadas en laca seca hueca, entre las que destaca el Buda Rushana central (759), de 3,4 metros de altura.

También hay representaciones de espíritus guardianes (Meikira Taisho), reyes (Kamokuten), etc. Son obras en madera, bronce, barro crudo o laca seca, de gran realismo.

La pintura está representada por la decoración mural de Hōryū-ji (finales del siglo VII), al igual que los frescos del Kondō, que muestran similitudes con los de Ajantā en la India. También surgieron diversas tipologías, como el kakemono ('pintura colgante') y el emakimono ('pintura en pergamino'), historias pintadas sobre un pergamino de papel o seda, con textos que explican las distintas escenas, llamados sutras.

En el Shōso-in de Nara hay una serie de pinturas de temática profana, con diversos géneros y temáticas: plantas, animales, paisajes y objetos metálicos. A mediados del periodo se puso de moda el estilo de pintura de la dinastía Tang, como se puede comprobar en los murales de la tumba de Takamatsuzuka, de alrededor del año 700.

Por el decreto Taiho-ryo de 701, el oficio del pintor estaba regulado en gremios artesanales controlados por el Departamento de Pintores (edakumi-no-tuskasa), dependiente del Ministerio del Interior. Estos gremios se encargaban de decorar palacios y templos, y su estructura perduró hasta la era Meiji. La cerámica evolucionó notablemente gracias a diversas técnicas importadas de China, como el uso de colores vivos aplicados a la arcilla.

Período Heian (794-1185)

Este período vio el dominio del clan Fujiwara, que estableció un estado centralizado inspirado en el gobierno chino, con capital en Heian (actual Kioto). Surgieron los grandes señores feudales (daimyō) y apareció la figura del samurái.

En esta época surgió la escritura hiragana, que adaptó la caligrafía china al polisilábico idioma japonés, utilizando caracteres chinos para los valores fonéticos de las sílabas. La ruptura de relaciones con China produjo un arte más típicamente japonés, surgiendo junto al arte religioso un arte secular que sería fiel reflejo del nacionalismo de la corte imperial.

La iconografía budista tuvo un nuevo desarrollo con la importación de dos nuevas sectas del continente, Tendai y Shingon, basadas en el budismo tántrico tibetano, que incorporaron elementos sintoístas y produjeron un sincretismo religioso característico de esta época.

Shingon era un tipo de budismo esotérico centrado en la relación entre materia y espíritu, que se reflejaba en mandalas, imágenes pictóricas o esculpidas que giraban en torno al Diamante (mundo espiritual) y el Pecho Materno (mundo material), así como representaciones del Dainichi Nyorai (el "Gran Sol").

Por su parte, Tendai se centró en la salvación del hombre, con una cierta moral de origen confuciano y un gran sincretismo con la religión sintoísta. Se le dio gran importancia al arte, e incluso se llegó a decir que los Tendai convirtieron "la religión en arte y el arte en religión". Uno de sus principales cultos fue el Paraíso Occidental de la Tierra Pura de Amida, del que se hicieron numerosas imágenes.

Una de las más florecientes fue la imagen del raigo-zu, Buda transportando almas al Paraíso, que proliferó en numerosas pinturas, como la tabla central del Tríptico de Amida en Hokkeji (Nara).

La arquitectura sufrió un cambio en la planta de los monasterios, que se erigieron en lugares apartados, destinados a la meditación. Los templos más importantes son Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) y el santuario-pagoda de Murō-ji. Enryaku-ji, situado en el entorno del monte Hiei, forma parte de los Monumentos Históricos del Antiguo Kioto, declarados Patrimonio de la Humanidad en 1994.

Fue fundada en 788 por Saichō, quien introdujo la secta budista Tendai en Japón. Enryaku-ji llegó a tener alrededor de 3000 templos y fue un enorme centro de poder en su época; la mayoría de sus edificios fueron destruidos por Oda Nobunaga en 1571.

De la parte que sobrevivió destacan hoy el Saitō ("salón oeste") y el Tōdō ("salón este"), donde se ubica el Konpon chūdō, la construcción más representativa del Enryaku ji, donde se encuentra una estatua de Buda esculpida por Saichō. él mismo, el Yakushi Nyorai, se conserva.

En arquitectura civil destacó la construcción del Palacio Imperial, de puro estilo japonés. Durante el periodo Fujiwara (897-1185), el templo volvió a ubicarse en la ciudad, siendo el lugar de reunión de las clases dominantes. La arquitectura religiosa imitaba la de los grandes palacios, con una decoración muy desarrollada, como en el monasterio de Byōdō-in -también llamado del Fénix-, en Uji (fundado en 1053).

En este templo destaca el Hōōdō ("Salón del Fénix"), ubicado al borde de un estanque que le da un aspecto lírico y espiritual, de líneas dinámicas y elegantes donde destacan los techos con esquinas curvilíneas, dándole un aire ascendente. al todo.

Esta sala conserva una imagen del Buda Amida ("Señor de la Luz Infinita"), de 2,5 metros de altura, en madera lacada, obra del maestro Jōchō.

La escultura sufrió un ligero descenso respecto a épocas anteriores. Una vez más destacan las representaciones de Buda (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai del templo de Jingo-ji en Kioto; Amida Nyorai en el monasterio de Byōdō-in), así como algunas diosas sintoístas (Kichijoten, diosa de la felicidad, equivalente del indio Lakshmī).

La excesiva rigidez de la religión budista limitó la espontaneidad del artista, que quedó circunscrito por rígidos cánones artísticos que coartaban su libertad creativa. Entre 859 y 877 se produjo el estilo Jogan, caracterizado por figuras de una severidad casi intimidante, con cierto aire introspectivo y misterioso, como el Shaka Nyorai de Murō-ji.

Durante el periodo Fujiwara ganó preeminencia la escuela fundada por Jōchō en Byōdō-in, con un estilo más grácil y esbelto que la escultura Jogan, logrando perfectas proporciones anatómicas y una gran sensación de movimiento.

El taller Jōchō introdujo las técnicas yosegi y warihagi, que consistían en dividir la figura en dos bloques que posteriormente se unían para tallarlos, evitando así el agrietamiento posterior, uno de los principales problemas de las figuras de gran tamaño. Estas técnicas permitían también el montaje en serie, y fueron desarrolladas con gran éxito en la escuela Kei del periodo Kamakura.

La pintura de principios de este período estaba poco desarrollada, con poca libertad creativa y ausencia del concepto de espacio. La aparición de la escuela yamato-e ("pintura japonesa") marcó la independencia de la pintura japonesa de la influencia china.

Se caracteriza por su armonía y su concepción diáfana y luminosa, con colores vivos y brillantes, líneas sencillas y decoración geométrica. Las principales obras se encuentran en monasterios budistas (Byōdō-in, Kongōbu-ji).

De particular interés son los murales del Salón del Fénix en Byōdō-in, cuyos paisajes sintetizan por primera vez el gusto estético más propiamente japonés, con su sensación de emocionalidad melancólica.

Los elementos típicos chinos son reemplazados por otros de gusto japonés, como flores de cerezo en lugar de los ciruelos nevados de moda en la pintura Tang, o arrozales en lugar de los imponentes picos de las montañas chinas.

Junto con otros elementos como las glicinas, las orquídeas, las peonías, el bambú, la luna, la niebla, el mar, la lluvia, etc., se creó el imaginario paisajístico japonés más típico de esta época.

Asimismo, la composición asimétrica, el espacio vacío, la atmósfera etérea, el movimiento ondulante, los detalles anecdóticos, la aplicación del color más en manchas que en pinceladas, el carácter lírico y emotivo del conjunto serán propios de la pintura japonesa, tanto en murales y en grabados y biombos.

Pese a ello, la influencia china continuó en los edificios públicos y oficiales, ya que estaba ligada al prestigio de la función pública.

Conocida como kara-e, la pintura china prosperó en el círculo imperial, como se ve en obras como el Biombo de los Sabios y el Biombo del lago Kunming. La pintura Yamato-e se desarrolló notablemente en los pergaminos escritos a mano llamados emaki, que combinaban escenas pictóricas con una elegante caligrafía katakana. Estos pergaminos narraban pasajes históricos o literarios, como el Cuento de Genji, una novela de finales del siglo X de Murasaki Shikibu.

Si bien el texto era obra de reputados calígrafos, las imágenes generalmente fueron ejecutadas por cortesanas de la corte, como Ki no Tsubone y Nagato no Tsubone, representando una muestra de estética femenina que tendría gran relevancia en el arte japonés.

Surgió entonces una distinción entre pintura femenina (onna-e) y masculina (otoko-e), que marcó una distinción perceptible entre el mundo público, considerado masculino -cuyo arte mantenía la influencia china- y el mundo privado, de carácter femenino y más Estética propiamente japonesa.

En onna-e, además del Cuento de Genji, destacó el Heike Nogyo (Lotus Sūtra), encargado por el clan Taira para el Santuario Itsukushima, con un total de 33 pergaminos sobre la salvación de las almas proclamada por el budismo.

El otoko-e era más narrativo y enérgico que el onna-e, más lleno de acción, con más realismo y movimiento, como en los pergaminos de Shigisan Engi, sobre los milagros del monje Myoren;

el Ban Danaigon E-kotoba, sobre una guerra de clanes rivales en el siglo IX; y los Chōjugiga, escenas animales de signo caricaturizado y tono satírico, de crítica a la aristocracia. En este periodo la cerámica no tuvo una especial relevancia, destacando en cambio los trabajos en laca -generalmente cajas para cosméticos- y los objetos metálicos, donde destacan los espejos.

En la laca surgió la técnica maki-e, consistente en espolvorear polvos de colores, oro y plata sobre laca húmeda, creando dibujos de gran finura y sutil tonalidad. A veces incluía incrustaciones de nácar (raden). los abanicos , decorados con textos de sutras budistas y escenas de género.

Período Kamakura (1185-1392)

Después de varias disputas entre los clanes feudales, el clan Minamoto se impuso y estableció el shogunato, un tipo de gobierno militar. En esta época se introdujo en Japón la secta Zen, que tendría una poderosa influencia en el arte figurativo.

La arquitectura era más sencilla, funcional, menos lujosa y ornamentada. La influencia zen dio lugar al llamado estilo Kara-yo: los monasterios zen seguían la planimetría axial china, aunque el edificio principal no era el templo, sino la sala de lectura, y el lugar de honor no lo ocupaba una estatua de Buda, sino por un pequeño trono donde el abad enseñaba a sus discípulos.

De particular interés son los cinco grandes complejos de templos de Sanjūsangen-dō en Kioto (1266), así como Kennin-ji (1202) y Tōfuku-ji (1243) en Kioto, y Kenchō-ji (1253) y Engaku-ji ( 1282) en Kamakura. El Kōtoku-in (1252) es famoso por su estatua de bronce del Buda Amida, de 13 metros de altura y 93 toneladas de peso, siendo el segundo Buda más grande de Japón después del de Tōdai-ji.

En 1234, se construyó el templo de Chion-in, sede del budismo Jōdo shū ("Secta de la Tierra Pura"), que destaca por su colosal puerta principal (Sanmon), que es la estructura más grande de su tipo en Japón.

Uno de los últimos exponentes de este período fue Hongan-ji (1321), formado por dos templos principales: el Nishi Hongan-ji, que incluye el Goei-dō ("salón del fundador") y el Amida-dō ("salón de Buda"). salas, junto con un pabellón de té y dos escenarios de teatro nō, uno de los cuales cuenta con el más antiguo que se conserva; y el Higashi Hongan-ji, donde se encuentra el famoso jardín Shosei-en.

La escultura adquirió un gran realismo, encontrando el artista una mayor libertad creativa, como lo denotan los retratos de nobles y militares, como el de Uesugi Shigefusa (de un artista anónimo), un militar del siglo XIV.

Las obras zen se centraron en la representación de sus maestros, en un tipo de estatua denominada chinzo, como la del maestro Muji Ichien (1312, autor anónimo), en madera policromada, representando al maestro zen sentado en un trono, en actitud de Meditación relajada.

De especial importancia por la calidad de sus obras fue la escuela Kei de Nara, heredera de la escuela Jōchō del período Heian, donde el escultor Unkei, autor de las estatuas de los monjes Muchaku y Seshin (Kōfuku-ji de Nara), como así como destacaron imágenes de los Kongo Rikishi (espíritus guardianes), como las dos colosales estatuas ubicadas en la entrada del templo Tōdai-ji (1199), de 8 metros de altura.

El estilo de Unkei, influenciado por la escultura china de la dinastía Song, era de gran realismo, capturando al mismo tiempo el estudio fisionómico más detallado con la expresión emocional y la espiritualidad interior del individuo retratado.

Incluso se incrustaron cristales oscuros en los ojos, para dar mayor expresividad. La obra de Unkei marcó el comienzo del retrato japonés. Su trabajo fue continuado por su hijo Tankei, autor del Kannon Senju para el Sanjūsangen-dō.

La pintura se caracterizó por un mayor realismo y una introspección psicológica. Se desarrollaron la pintura de paisajes (La cascada de Nachi) y el retrato (El monje Myoe en la contemplación, de Enichi-bo Jonin; colección de retratos del templo Jingo-ji en Kioto, de Fujiwara Takanobu; retrato del emperador Hanazono, de Goshin).

Continuó con el estilo yamato-e y la pintura narrativa en pergaminos, algunos de hasta 9 metros de largo. Estos rollos reflejaban aspectos de la vida cotidiana, escenas urbanas o rurales, o ilustraban acontecimientos históricos, como la guerra de 1159 en Kioto entre ramas rivales de la familia imperial.

Se presentaban en escenas sucesivas, siguiendo un orden narrativo, con una vista panorámica elevada, a vista de pájaro. De particular interés son los pergaminos ilustrados de los acontecimientos de la era Heiji (Heiji monogatari) y los pergaminos Kegon Engi de Enichi-bo Jonin.

La pintura relacionada con la secta Zen tenía una influencia más directamente china, dibujada con simples líneas de tinta china siguiendo la máxima zen de que "demasiados colores ciegan la visión".

En esta época, se inició la producción de lo que se convertiría en la cerámica más típicamente japonesa. Comenzó, destacando la figura de Toshiro. Crecieron las artesanías destinadas a la vida militar, especialmente armaduras y espadas (katana) fabricadas con dos capas de hierro y acero sometidas a ignición e inmersión, con una característica marca templada al vapor llamada ni-e.

Período Muromachi (1392-1573)

Durante este período el shōgunato estuvo en manos de los Ashikaga, cuyas luchas internas favorecieron el creciente poder de los daimyō, que dividieron el territorio. La arquitectura era más elegante y típicamente japonesa, destacando mansiones señoriales, monasterios como Zuiho-ji, y templos como Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji o Pabellón Dorado (1397) y Ginkaku-ji o Pabellón de Plata (1489). , en Kioto.

Kinkaku-ji fue construido como una villa de descanso para el shōgun Ashikaga Yoshimitsu, como parte de su propiedad llamada Kitayama. Su hijo transformó el edificio en un templo de la secta Rinzai. Es un edificio de tres pisos, con los dos pisos superiores cubiertos con pan de oro puro.

El pabellón funciona como un shariden y almacena las reliquias de Buda. También contiene varias estatuas de Buda y figuras de bodhisattvas, y en el techo se encuentra un fenghuang dorado o "fénix chino". También cuenta con un magnífico jardín adyacente, con un estanque llamado Kyōko-chi ("espejo de agua"), con numerosas islas y piedras que representan la historia de la creación budista.

Por su parte, el Ginkaku-ji fue construido por el shōgun Ashikaga Yoshimasa, quien buscó emular el Kinkaku-ji construido por su abuelo Yoshimitsu, pero lamentablemente no pudo revestir el edificio con plata como había planeado.

También es característico de la arquitectura de este período la aparición del tokonoma, una sala reservada para la contemplación de un cuadro o arreglo floral, en consonancia con la estética zen. Asimismo, se introdujo el tatami, un tipo de alfombra hecha de paja de arroz, que hizo más agradable el interior del hogar japonés.

Durante este período, el arte de la jardinería se desarrolló considerablemente, sentando las bases artísticas y estéticas del jardín japonés. Surgieron dos formas principales: tsukiyama, alrededor de una colina y un lago; e hiraniwa, un jardín llano de arena rastrillada, con piedras, árboles y pozos.

La vegetación más común está formada por bambú y diversos géneros de flores y árboles, ya sean perennifolios, como el pino negro japonés, o caducifolios, como el arce japonés, siendo igualmente valorados elementos como los helechos y los musgos.

Otro elemento típico de la jardinería y el interiorismo es el bonsái. Los jardines suelen incluir un lago o estanque, varios tipos de pabellones (normalmente para la ceremonia del té) y faroles de piedra . Una de las características típicas del jardín japonés, como en el resto de su arte, es su apariencia imperfecta, inacabada y asimétrica.

Existen diferentes tipos de jardines: los “de paseo”, que se contemplan paseando por un sendero o alrededor de un estanque; "cámara", que se disfruta desde un lugar fijo, generalmente un pabellón o cabaña tipo machiya; "té" (rōji), alrededor de un camino que conduce a la casa de té, con tejas o piedras para marcar el camino; y "contemplación" (karesansui, "paisaje de montaña y agua"), que es el jardín zen más típico, contemplado desde una plataforma situada en los monasterios zen.

Un buen ejemplo es el llamado Paisaje sin agua del jardín Ryōan-ji, en Kioto, obra del pintor y poeta Sōami (1480), que representa un mar -hecho con arena rastrillada- lleno de islas -que son rocas-, creando un conjunto que combina realidad e ilusión e invita a la quietud y la reflexión.

También floreció la pintura, enmarcada dentro de la estética zen, que recibió la influencia china de las dinastías Yuan y Ming, reflejada principalmente en el decorativismo.

Se introdujo la técnica del gouache, perfecta transcripción de la doctrina zen, que busca reflejar en los paisajes lo que significan, más que lo que representan.

Surgió la figura del bunjinso, el “monje intelectual” creador de sus propias obras, estudiosos y seguidores de las técnicas chinas en tinta monocromática, de pinceladas breves y difusas, que reflejaban en sus obras elementos naturales como pinos, juncos, orquídeas, bambúes. , rocas, árboles, pájaros y figuras humanas inmersas en la naturaleza, en actitud de meditación.

Algunos de estos monjes-artistas fueron: Mokuan Reien, Gyokuen Bompo, Ue Gukei, etc. En Japón, esta técnica con tinta china recibió el nombre de sumi-e. Basado en los siete principios estéticos del Zen, el sumi-e ("pintura con tinta") pretendía reflejar las emociones internas más intensas a través de la sencillez y la elegancia, en líneas simples y modestas que trascienden su apariencia externa para significar un estado de comunión con la naturaleza. .

Para los monjes zen, el sumi-e era una forma (dō) de buscar la paz interior y la realización espiritual. Las propiedades tonales sutiles y difusas de la tinta permitieron al artista capturar la esencia de las cosas, en una impresión simple y natural, pero profunda y trascendente.

Es un arte espontáneo de rápida ejecución, imposible de retocar, hecho que lo vincula a la vida, donde es imposible volver al pasado.

Cada pincelada expresa energía vital (ki), ya que es un acto de creación, donde el espíritu se pone en acción, y donde el proceso es más importante que el resultado. Los principales artistas del sumi-e fueron: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei y, sobre todo, Sesshū Tōyō, autor de retratos y paisajes, el primer artista que pintó del natural. Sesshū fue un gaso, un monje-pintor, que viajó a China entre 1467 y 1469, donde estudió arte y paisaje natural.

Sus paisajes están compuestos por estructuras lineales, iluminadas por una luz repentina que refleja el concepto Zen del instante trascendental.

Son paisajes con presencia de elementos anecdóticos, como templos a lo lejos o pequeñas figuras humanas, enmarcadas en lugares recónditos como acantilados. También surgió un nuevo género de pintura de poemas, el shigajiku, en el que un paisaje ilustra un poema de inspiración naturalista. También cabe mencionar la escuela Kanō, fundada por Kanō Masanobu, que aplicó la técnica del gouache a temas tradicionales, ilustrando así temas sagrados, nacionales y paisajísticos.

También se aplicó gouache a mamparas y paneles pintados en puertas corredizas fusuma, características del diseño de interiores japonés. En cerámica destacó la escuela de Seto, siendo la tipología más popular el llamado temmoku. También son ejemplos notables de este período las lacas y los objetos de metal.

Período Azuchi-Momoyama (1573-1603)

En este momento Japón fue nuevamente unificado por Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu, quienes eliminaron a los daimyō y se sucedieron en el poder. Su gobierno coincidió con la llegada de comerciantes portugueses y misioneros jesuitas, que introdujeron el cristianismo en el país, aunque llegando sólo a una minoría.

La producción artística de este período se alejó de la estética budista, enfatizando los valores tradicionales japoneses, con un estilo grandilocuente. La invasión de Corea en 1592 supuso el traslado forzoso de muchos artistas coreanos a Japón, que se instalaron en centros de producción cerámica aislados del resto.

También durante este período se reciben las primeras influencias occidentales, reflejadas en el estilo Nanban ("bárbaros del sur", nombre dado a los europeos), desarrollado en la escultura miniaturista, con temas profanos, objetos decorativos en porcelana y biombos decorados en Estilo yamato-e, con colores vivos y pan de oro, en escenas que narran la llegada de los europeos a las costas japonesas.

La influencia occidental introdujo la pintura al óleo y el uso de la perspectiva, aunque en general no tuvieron mucho éxito en el arte tradicional japonés.

En arquitectura destacó la construcción de grandes castillos (shiro), que fueron fortificados con la introducción de armas de fuego occidentales en Japón. Buenos ejemplos son los castillos de Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō y Fushimi-Momoyama.

El Castillo Himeji, una de las principales construcciones de la época, combina masivas fortificaciones con la elegancia de una estructura vertical, en cinco pisos construidos en madera y yeso, con techos de suaves formas curvilíneas similares a los de los templos tradicionales japoneses.

También proliferaron las villas rústicas para la ceremonia del té, compuestas por pequeñas villas o palacios y grandes jardines, y en algunas ciudades se construyeron teatros de madera para representaciones de kabuki.

En pintura, la escuela Kanō recibió la mayoría de encargos oficiales, desarrollando la pintura mural de los principales castillos japoneses. Figuras destacadas son los nombres de Kanō Eitoku y Kanō Sanraku.

Para los castillos, con poca iluminación por sus estrechos vanos defensivos, creó una especie de biombos con fondos dorados que reflejaban la luz y la repartían por toda la estancia, con grandes murales decorados con escenas heroicas, animales como tigres y dragones, o paisajes con presencia de jardines, estanques y puentes, o sobre las cuatro estaciones, tema bastante frecuente en la época.

El estilo yamato-e continuó principalmente entre la clase burguesa, representada por la escuela Tosa, que continuó la tradición épica japonesa de escenas y paisajes históricos, destacando las figuras de Tosa Mitsuyoshi y Tosa Mitsunori.

También hubo un notable desarrollo de la pintura sobre biombos, generalmente con tintas gouache, siguiendo el estilo sumi-e, como se observa en las obras de Hasegawa Tōhaku (Bosque de pinos) y Kaihō Yūshō (Pino y ciruelo a la luz de la luna). También destacó la figura de Tawaraya Sōtatsu, autor de obras de gran dinamismo, en pergaminos manuscritos, biombos y abanicos.

Creó un estilo lírico y decorativo inspirado en la escritura waka del período Heian, al que llamó rinpa, produciendo obras de gran belleza visual e intensidad emocional, como El cuento de Genji, El camino de Ivy, Los dioses del trueno y el viento. , etc.

La alfarería alcanzó un momento de gran esplendor, con el desarrollo de la cerámica para la ceremonia del té, inspirada en la cerámica coreana, cuya rusticidad y aspecto inacabado traducía a la perfección la estética zen que impregna el rito del té.

Surgieron nuevos diseños, como los platos nezumi y los cántaros de agua kogan, generalmente con el cuerpo blanco bañado en una capa de feldespato y decorados con sencillos dibujos realizados con barbotina de hierro.

Era una cerámica gruesa, de aspecto vidriado y con un tratamiento inacabado, que daba una sensación de imperfección y vulnerabilidad. Seto siguió siendo uno de los principales centros de producción, mientras que en el pueblo de Mino nacieron dos importantes escuelas: Shino y Oribe.

También destacaron la escuela Karatsu y dos tipos originales de cerámica: Iga, de textura tosca y gruesa capa de vidriado, con profundas grietas;

y Bizen, loza de color marrón rojizo y sin esmaltar, retirada cuando aún tierna de la rueda para producir pequeñas grietas e incisiones naturales que le daban un aspecto quebradizo, también según la estética zen de la imperfección. Uno de los mejores artistas de esta época fue Honami Kōetsu, que destacó tanto en la pintura como en la poesía, la jardinería, la laca, etc. Educado en la tradición artística procedente del periodo Heian y en la escuela de caligrafía Shorenin, fundó una colonia de artesanos. en Takagamine, cerca de Kioto, gracias a un terreno cedido por Tokugawa Ieyasu.

La colonia fue alimentada por artesanos de la escuela budista de Nichiren y produjo una serie de obras de gran calidad.

Se especializaron en artículos lacados, principalmente complementos de escritorio, decorados con incrustaciones de oro y nácar, así como diversos utensilios y vajillas para la ceremonia del té, destacando el cuenco fujisan, de cuerpo rojizo cubierto con un engobe negro y, al encima, un esmalte blanco opaco que da el efecto de nieve que cae.

Período Edo (1603-1868)

Este período artístico corresponde al período histórico Tokugawa, en el que Japón estuvo cerrado a todo contacto exterior. La capital se estableció en Edo, el futuro Tokio. Los cristianos fueron perseguidos y los comerciantes europeos expulsados.

A pesar del sistema de vasallaje, el comercio y la artesanía proliferaron, y apareció una clase burguesa que creció en poder e influencia, y se dedicó a la promoción de las artes, especialmente el grabado, la cerámica, la laca y los textiles.

Los edificios más importantes son el Palacio Katsura en Kioto y el mausoleo de Tōshō-gū en Nikkō (1636), que forma parte de los "Santuarios y Templos de Nikkō", Patrimonio de la Humanidad reconocido por la UNESCO en 1999.

De formas híbridas sintoístas-budistas, es el mausoleo del shōgun Tokugawa Ieyasu. El templo es una estructura rígidamente simétrica con relieves de colores que cubren toda la superficie visible. Destaca por sus coloridos edificios y ornamentos sobrecargados que se alejan de los estilos de los templos de esa época.

Los interiores están adornados con lacados, detalladas esculturas coloridas y paneles magistralmente pintados. El Palacio Katsura (1615-1662) fue construido con una planta asimétrica de inspiración zen, donde las líneas rectas de la fachada exterior contrastan con la sinuosidad del jardín circundante.

Villa de descanso de la familia imperial, incluye un edificio principal (Shoin), varios pabellones, casas de té y un parque de siete hectáreas. El palacio principal, de una sola planta, está dividido en cuatro pabellones conectados en las esquinas: Shōkintei, Shōkatei, Shōiken y Gepparō.

Todos están levantados sobre pilares y construidos de madera con paredes encaladas y puertas correderas que conducen al jardín, y contienen pinturas de Kanō Tan'yū.

También son características de esta época las casas de té (chashitsu) , normalmente pequeñas construcciones de madera con tejados de bálago, rodeadas de jardines en aparente abandono, con líquenes, musgos y hojas caídas, siguiendo el concepto zen de la imperfección trascendente.

La pintura se desarrolló notablemente, adquiriendo gran vitalidad. Funcionó en diferentes formatos, desde paneles de pared y biombos hasta pergaminos, abanicos y pequeños álbumes. El grabado en madera se hizo muy popular, surgiendo en los centros urbanos una importante industria especializada en textos ilustrados y grabados.

Inicialmente se grababan con tinta negra sobre papel coloreado a mano, pero a mediados del siglo XVIII surgió nishiki-e

Continuó el estilo rinpa iniciado por Sōtatsu en la obra de Ōgata Kōrin, uno de los más grandes artistas de la época. Su producción, alegre y sardónica, estaba dirigida a las clases mercantiles, con obras de una elegancia urbana y un realismo un tanto irreverente, aunque con un gran virtuosismo y un profundo conocimiento de los maestros clásicos, como demuestra en las pantallas Ciruelas rojas y blancas, Olas, lirios y la historia de Ise.

La escuela Kanō recibió los principales encargos oficiales del gobierno, con un estilo estético zen de pinceladas fuertes.

Su principal representante fue Kanō Tan'yū, nieto de Kanō Eitoku, que trabajó en el palacio imperial y el castillo de Nagoya, al tiempo que realizaba una notable labor erudita recogiendo notas sobre todo tipo de obras de arte, con comentarios y bocetos ( shukuzu) de las obras, una gran fuente de información para la historiografía del arte.

La escuela Tosa estuvo representada por Tosa Mitsuoki, quien continuó la tradición épica yamato-e.

En el siglo XVIII apareció la escuela nanga o “pintura idealista”, de signo confuciano auspiciada por el shogunato Tokugawa, muy influido por el arte chino, al que consideraban la cuna de su civilización.

Adoptó el estilo wenren de los pintores eruditos aficionados chinos, reducidos a pequeños círculos intelectuales formados por profesionales de diversos orígenes, desde samuráis hasta monjes, comerciantes y funcionarios. Su principal referente fue la escuela de Li Guo de la dinastía Song, de pincelada amplia y curvilínea, que llegó a Japón a través de la escuela coreana de An Kyon.

El centro neurálgico del nanga fue el monasterio Mampuku-ji, fundado en 1661 en las afueras de Kioto, que se convirtió en el centro de la cultura china en Japón. El tema principal representado era el paisaje, a menudo con elementos como flores y pájaros, y era común la combinación de pintura y poesía (haiga).

De esta escuela salieron varios artistas de gran calidad: Ikeno Taiga, Yosa Buson, Uragami Gyokudō, Aoki Mokubei, Tani Bunchō, Gibon Sengai, Hakuin Ekaku, etc.

Otra interesante escuela pictórica nació en Kioto, fundada por Maruyama Ōkyo, quien combinó diversas técnicas e influencias, desde la china hasta la occidental, que aprendió a través de los grabados holandeses.

Realizó volutas y biombos con paisajes y fondos dorados, siendo una característica de su estilo la representación del paisaje con bocetos tomados directamente del natural.

Sus discípulos fueron Matsumura Goshun, cofundador con Ōkyo de la escuela Maruyama-Shijō;

Itō Jakuchū, artista de gran personalidad que se dedicó al género de la naturaleza muerta, poco común hasta entonces en Japón; y Nagasawa Rosetsu, que dominó las técnicas occidentales de perspectiva y claroscuro. La escuela más conocida y notable fue la de ukiyo-e ("grabados del mundo que fluye") , que se destacó por su representación de tipos y escenas populares.

Desarrollado en torno a la técnica del grabado -principalmente xilografía-, fue un estilo secular y plebeyo, eminentemente urbano, que, inspirándose en temas anecdóticos y escenas de género, les dotaba de un lirismo y una belleza extraordinarios, con una sensibilidad sutil y un gusto refinado de gran modernidad.

El fundador fue Hishikawa Moronobu, al que siguieron figuras como Okumura Masanobu, Suzuki Harunobu, Isoda Koryūsai y Torii Kiyonobu, fundador de la escuela Torii. Varios artistas se especializaron en reproducir con cierto aire caricaturizado a los actores del teatro kabuki popular japonés (yakusha-e, "cuadros de actores"), entre ellos Torii Kiyomasu, Torii Kiyomitsu y, sobre todo, Tōshūsai Sharaku.

Otro género bastante común fue el bijin-ga ("cuadros de mujeres hermosas") , que representaba a geishas y cortesanas en actitudes íntimas y escenas boudoir, con gran detalle, principalmente en su vestimenta, como se denota en la obra de Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro. y Keisai Eisen.

Otra variante fue la shunga ("estampados primaverales"), con un contenido más explícitamente erótico. La pintura de paisajes fue introducida por Utagawa Toyoharu, fundador de la escuela Utagawa, quien aplicó la perspectiva occidental al paisaje japonés.

A principios del siglo XIX, cuando el arte ukiyo-e parecía decaer, apareció la gran figura de Katsushika Hokusai, autor de unos 30.000 dibujos que recopiló en 15 volúmenes, a los que tituló Manga (1814). Reflejó especialmente la vida urbana de Edo, con cierto toque de humor, en un estilo enérgico y de trazos fuertes.

También fue un gran representante de la pintura de paisaje, siendo uno de sus principales motivos el Monte Fuji, en escenas de gran colorido, con un sello fuertemente personal, ni realista ni idealizado, reflejando siempre la visión interior del artista. Uno de sus últimos exponentes y gran maestro de la escuela fue Utagawa Hiroshige, también gran paisajista, como se denota en sus Cien vistas famosas de Edo.

Tenía un estilo más realista que Hokusai, pero más lírico y evocador, utilizando a menudo una perspectiva de fondos enmarcados en primer plano por ramas, hojas u otros objetos.

La cerámica tuvo uno de sus principales centros de producción en Kioto, influenciada por el arte chino y coreano; su artista principal fue Nonomura Ninsei. En Hagi surgió una escuela de influencia coreana, caracterizada por el uso de formas simples y tonalidades ligeras, destacando la figura de Ōgata Kenzan, hermano de Ōgata Kōrin.

Continuó la cerámica destinada a la ceremonia del té, decorada con elementos aparentemente irregulares y asimétricos, como signos y líneas de corte casi abstracto, según el ideal de imperfección de la estética zen.

Las primeras porcelanas se produjeron en este periodo, con un primer centro de producción en Arita, en la prefectura de Saga (llamada porcelana de Imari), donde el alfarero coreano Yi Sam-pyeong encontró en 1616 un tipo de arcilla blanca ideal para la porcelana.

Destacan las escuelas Kakiemon, Nabeshima y Ko-Kutami, que produjeron una serie de platos, cuencos y botellas de sake de gran calidad y refinamiento, con esmaltes vidriados decorados en azul, verde, amarillo, rojo, beige y berenjena pálido.

También proliferaron los objetos de laca, metal, marfil y nácar, y objetos como inro (cajas de medicinas), netsuke (amuletos esculpidos) y tsuba (guardias de espadas) alcanzaron una gran calidad artística.

Del mismo modo, el arte textil, principalmente en seda, cobró gran importancia y alcanzó niveles de calidad muy altos, de modo que a menudo se colgaban túnicas de seda ( kimono ) con colores vivos y dibujos refinados en estancias separadas, como si fueran biombos.

Se utilizaron diversas técnicas, como teñido, bordado, brocado, repujado, apliques y pintura a mano. La seda sólo estaba disponible para las clases altas, mientras que la gente vestía algodón, elaborado según la técnica indonesia del ikat, hilado en secciones y teñido de índigo alternando con blanco.

Otra técnica de menor calidad era el entrelazado de hilos de algodón de distintos colores, con tintes caseros aplicados a modo de batik mediante una pasta de arroz y salvado de arroz hervido y apelmazado.

Vale la pena señalar que, así como en el siglo XIX el arte japonés estuvo influenciado por el arte occidental, este último también estuvo influenciado por el exotismo y la naturalidad del arte japonés. Así surgió en Occidente el llamado japonismo, desarrollado principalmente en la segunda mitad del siglo XIX, especialmente en Francia y Gran Bretaña.

Se manifestó en las llamadas japonaiseries, objetos inspirados en grabados japoneses, porcelanas, lacas, abanicos y objetos de bambú, que se pusieron de moda tanto en la decoración de interiores como en numerosas prendas personales que reflejaban la fantasía y el decorativismo de la estética japonesa.

En pintura, el estilo de la escuela ukiyo-e fue recibido con entusiasmo y las obras de Utamaro, Hiroshige y Hokusai fueron muy apreciadas. Los artistas occidentales imitaron la construcción espacial simplificada, los contornos simples, el estilo caligráfico y la sensibilidad naturalista de la pintura japonesa.

Algunos de los principales artistas que recibieron esta influencia fueron: Édouard Manet, James Abbott McNeill Whistler, James Tissot, Mary Cassatt, Pierre Bonnard, Georges Ferdinand Bigot, Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh, Gustav Klimt, etc.

Período contemporáneo (desde 1868)

El período Meiji (1868-1912) supuso el inicio de una profunda renovación cultural, social y tecnológica en Japón, que se abrió más al mundo exterior y empezó a incorporar los nuevos avances conseguidos en Occidente.

La Carta de 1868 abolió los privilegios feudales y las distinciones de clases, lo que no condujo a una mejora de las clases proletarias, que quedaron sumidas en la miseria. Se inició una era de fuerte expansionismo imperialista, que desembocó en la Segunda Guerra Mundial.

Después de la guerra, Japón experimentó un proceso de democratización y desarrollo económico que lo convirtió en una de las principales potencias económicas del mundo y en un centro líder de producción industrial e innovación tecnológica.

A la era Meiji le siguieron las eras Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) y Heisei (1989-). A partir de 1930, la progresiva militarización y expansión por China y el sur de Asia, con el consiguiente aumento de los recursos destinados al presupuesto militar, provocaron una disminución del mecenazgo artístico.

Sin embargo, con el boom económico de la posguerra y la nueva prosperidad lograda con la industrialización del país, renacieron las artes, ahora inmersas de lleno en los movimientos artísticos internacionales debido al proceso de globalización cultural.

Asimismo, la prosperidad económica favoreció el coleccionismo, con la creación de numerosos museos y centros de exposiciones que han ayudado a la difusión y conservación del arte japonés e internacional.

En el ámbito religioso, la instauración durante la era Meiji del sintoísmo como única religión oficial (Shinbutsu bunri) provocó el abandono y destrucción de templos y obras de arte budistas,

lo que hubiera sido irreparable sin la intervención de Ernest Fenollosa, profesor de filosofía de la Universidad Imperial de Tokio, quien junto al magnate y mecenas William Bigelow rescataron un gran número de obras que nutrían la colección de arte budista del Museo de Bellas Artes de Boston y la Freer Gallery of Art en Washington, DC,

que luego se trasladó al Museo de Bellas Artes de Boston y a la Freer Gallery of Art de Washington, DC, donde se convirtió en un museo de arte budista.

C., dos de las mejores colecciones de arte asiático del mundo. La arquitectura presenta una doble dirección: tradicional (Santuario Yasukuni, templos Heian Jingu y Meiji en Tokio) y de influencia europea, incorporando nuevas tecnologías (Museo Yamato Bunkakan de Isohachi Yoshida en Nara).

La occidentalización condujo a la construcción de nuevos edificios como bancos, fábricas, estaciones de tren y edificios públicos, construidos con materiales y técnicas occidentales, emulando al principio (finales del siglo XIX) la arquitectura victoriana inglesa. Algunos arquitectos extranjeros también trabajaron en Japón, como Frank Lloyd Wright (Hotel Imperial, Tokio).

La arquitectura y el urbanismo recibieron un gran impulso tras la Segunda Guerra Mundial, debido a la necesidad de reconstruir el país. Surgió una nueva generación de arquitectos, encabezada por Kenzō Tange, autor de obras como el Museo Memorial de la Paz de Hiroshima, la Catedral de Santa María de Tokio, el Estadio Olímpico de los Juegos Olímpicos de Tokio de 1964, etc.

Tange y sus discípulos desarrollaron el concepto de arquitectura entendido como "metabolismo", considerando los edificios como formas orgánicas que deben adaptarse a las necesidades funcionales. Movimiento fundado en 1959, tenían una idea de la ciudad del futuro habitada por una sociedad masificada, caracterizada por estructuras flexibles y extensibles con un crecimiento de tipo orgánico.

Entre sus miembros se encontraban Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe y Kiyonori Kikutake. Otro exponente fue Maekawa Kunio quien, junto con Tange, introdujo antiguas ideas estéticas japonesas en los rígidos edificios contemporáneos, utilizando nuevamente técnicas y materiales tradicionales como el tatami y el uso de pilares -elemento constructivo tradicional en los templos japoneses-, o la integración de jardines y esculturas en sus diseños.

Otro principio estético japonés, el del vacío, fue estudiado por Fumihiko Maki en la relación espacial entre el edificio y su entorno.

Desde la década de 1980, el arte posmoderno ha tenido una fuerte presencia en Japón, ya que la fusión entre el elemento popular y la sofisticación de las formas ha sido característica de Japón desde la antigüedad.

Este estilo ha sido representado principalmente por Arata Isozaki, autor del Museo de Arte Kitakyūshū y de la Sala de Conciertos de Kioto. Isozaki estudió con Tange, y en su obra sintetizó conceptos occidentales con ideas espaciales, funcionales y decorativas propias de Japón.

Por su parte, Tadao Andō desarrolló un estilo minimalista, con gran preocupación por la aportación de luz y espacios abiertos al exterior (Capilla sobre el Agua, Tomanu, Hokkaidō; Iglesia de la Luz, Ibaraki, Osaka; Museo de los Niños, Himeji).

Shigeru Ban se ha destacado por el uso de materiales no convencionales, como papel o plástico: después del terremoto de Kōbe de 1995, que dejó a muchas personas sin hogar, Ban contribuyó diseñando The Paper House y The Paper Church.

Finalmente, Toyō Itō ha explorado la imagen física de la ciudad de la era digital (Torre de los Vientos, Yokohama; Mediateca de Sendai, Sendai; Edificio Mikimoto Ginza 2, Tokio). En escultura también hubo una dualidad entre tradición y vanguardia, destacando los nombres de Yoshi Kinuchi y Romorini Toyofuku, así como los abstraccionistas Masakazu Horiuchi y Yasuo Mizui, este último afincado en Francia. Isamu Noguchi y Nagare Masayuki recogen la rica tradición escultórica de su país en obras que estudian el contraste entre la rugosidad y el pulido del material.

La pintura también siguió dos corrientes: la tradicional (nihonga) y la occidentalista (yōga), aunque independiente de ambas, destacó a principios del siglo XX la figura de Tomioka Tessai.

El estilo nihonga fue impulsado a finales del siglo XIX por el crítico de arte Okakura Kakuzō y por el educador Ernest Fenollosa, buscando en el arte tradicional la forma arquetípica de expresión de la sensibilidad japonesa, aunque este estilo también recibió cierta influencia occidental, especialmente de Prerrafaelismo y romanticismo.

Estuvo representado principalmente por Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison y Kobayashi Kokei.

El estilo de pintura europeísta se nutrió inicialmente de las técnicas y temáticas vigentes en la Europa de finales del siglo XIX, ligadas principalmente al academicismo -como en el caso de Kuroda Seiki, que estudió nueve años en París-, pero luego siguió la diferentes corrientes que se fueron produciendo en el arte occidental:

El grupo Hakubakai recogió la influencia impresionista;

la pintura abstracta tuvo como figuras destacadas a Takeo Yamaguchi y Masanari Munai; entre los artistas figurativos destacaron Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen e Higashiyama Kaii. Algunos artistas se radicaron fuera de su país, como Genichiro Inokuma en Estados Unidos y Tsuguharu Foujita en Francia. En el periodo Taishō, el estilo yōga predominó sobre el nihonga, aunque el mayor uso de la luz y la perspectiva occidentales disminuyó las diferencias entre ambas corrientes.

Así como el nihonga adoptó en gran medida las innovaciones del postimpresionismo, el yōga manifestó una inclinación por el eclecticismo, surgiendo una gran diversidad de movimientos artísticos divergentes. Durante esta época, se estableció la Academia Japonesa de Bellas Artes (Nihon Bijutsuin).

La pintura de la era Shōwa estuvo marcada por la obra de Yasurio Sotaro y Umehara Ryuzaburo, quienes introdujeron los conceptos de arte puro y pintura abstracta en la tradición nihonga.

En 1931, se creó la Asociación de Arte Independiente (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) para promover el arte de vanguardia. Durante la Segunda Guerra Mundial, la censura y los controles gubernamentales sólo permitieron la expresión de temas patrióticos. Después de la guerra, los artistas japoneses prosperaron en las grandes ciudades -particularmente en Tokio-, creando un arte urbano y cosmopolita, que seguía con devoción las innovaciones estilísticas producidas internacionalmente, especialmente en París y Nueva York.

Tras los estilos abstractos de los años 60, en los años 70 se produjo un retorno al realismo favorecido por el arte pop, como se puede comprobar en la obra de Shinohara Ushio. Aun así, a finales de los años 1970 se produjo un retorno al arte tradicional japonés, en el que se vio mayor expresividad y fuerza emocional.

La tradición del grabado continuó hasta el siglo XX en un estilo de "grabados creativos" (sosaku hanga) dibujados y tallados por artistas preferiblemente en el estilo nihonga, como Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi y Munakata Shiko.

Entre las últimas tendencias, tuvo bastante renombre dentro del llamado arte de acción el grupo Gutai, que asimiló la experiencia de la Segunda Guerra Mundial a través de acciones llenas de ironía, con un gran sentimiento de tensión y una agresividad latente. Sus miembros incluyen: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto y Katsuō Shiraga.

Vinculados al arte posmoderno se encuentran varios artistas inmersos en el reciente fenómeno de la globalización, marcado por la multiculturalidad de las expresiones artísticas:

Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Otros artistas destacados del Japón contemporáneo son: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara y Takashi Murakami.

Arte Japonés Otras expresiones artísticas

Literatura

La literatura japonesa tiene una fuerte influencia china, principalmente debido a la adopción de la escritura china. El testimonio más antiguo conservado son los Kojiki (Cuentos de cosas antiguas), una suerte de historia universal de corte mítico y teogónico. Otro testimonio de relevancia son los Nihonshoki (Anales de Japón).

La poesía está representada por la Man'yōshū (Colección de las Diez Mil Hojas), una antología de poemas de diversos tipos, con una gran variedad temática y estilística, escrita por varios autores, entre ellos Otomo Yakamochi y Yamanoue Okura.

Durante la Edad Media japonesa, la literatura continuó bajo la influencia de la literatura china, especialmente en poesía, donde la mayor producción fue en lengua china, considerada más culta: así tenemos el Kaifuso (Tiernos recuerdos de poesía, 751), una antología de varios poetas.

En el período Heian hubo un resurgimiento de la literatura japonesa, especialmente en la narrativa: Genji Monogatari (La historia de Genji), de Murasaki Shikibu, es un clásico de la literatura japonesa, que describe el mundo de la nobleza en un lenguaje sencillo, a veces de tono erótico.

La poesía de la época fue recopilada en la antología imperial Kokinshu, donde se exaltaba preferentemente la naturaleza, escrita en waka (composición de 31 sílabas).

En el período Kamakura, la literatura se vio afectada por las constantes guerras feudales, reflejadas en una narrativa de tono pesimista y desolador: Hojoki (Narración de mi cabaña), de Kamo no Chomei. Del período Muromachi destacan Tsurezuregusa (Ensayos sobre el ocio) de Yoshida Kenkō y el anónimo Sannin Hoshi (Los tres sacerdotes).

Música

La música japonesa tuvo sus primeras manifestaciones en honkyoku ("piezas originales"), que se remontan al siglo XIX a. C., así como en min'yō, canciones populares japonesas. Los ritos sintoístas tenían coros que recitaban un trino lento acompañados de una flauta de bambú (yamate-bue) y una cítara de seis cuerdas (yamato-goto).

La principal forma de música y danza sintoísta es la kagura, basada en el mito de Amaterasu, diosa del sol.

Se realiza con los instrumentos mencionados anteriormente, y otros como el hichiriki (oboe) y tambores como el o-kakko y el o-daiko. La llegada del budismo trajo influencia extranjera, dando origen a dos corrientes: la música de mano izquierda, de origen indio y chino; y música para mano derecha, de origen manchú y coreano.

Estas corrientes utilizaban instrumentos como el biwa (laúd de cuello corto), el taiko (tambor japonés), el kakko (tambor chino), el shôko (gong), el sô-no-koto (cítara), el koma-bue ( flauta), el hichiriki (oboe), el ôteki (flauta travesera) y el shô (órgano soplado).

También había una gran variedad de tipos de música tradicional: dos de los estilos más antiguos eran shōmyō ("canto del hombre gordo") y gagaku ("música divertida"), ambos de los períodos Nara y Heian.

Además, gagaku se divide en sōgaku (música instrumental) y bugaku (música y danza). Durante el período Edo, la música era principalmente música de cámara, de tipo profano, desarrollada con diversos instrumentos entre los que destacan el shamisen (laúd de tres cuerdas), el shakuhachi (flauta de bambú) y el koto (cítara de 13 cuerdas).

El koto, principalmente, tuvo un gran auge a partir del siglo XVII, siendo popularizado por el músico ciego Yatsushashi. Se tocaba solo, con varias variaciones (dan) de 52 compases (hyoshi), o acompañado de voz (kumi).

Las artes escénicas

En el teatro apareció en el siglo XIV la modalidad denominada nō, drama lírico-musical en prosa o verso, de temática histórica o mitológica. Sus orígenes se encuentran en la antigua danza kakura y la liturgia sintoísta, aunque posteriormente fue asimilada por el budismo.

Se caracteriza por una trama esquemática, con tres personajes principales: el protagonista (waki), un monje itinerante y un intermediario.

La narración es recitada por un coro, mientras los actores principales actúan gestualmente, con movimientos rítmicos. Los decorados son austeros, en contraposición a la magnificencia de trajes y máscaras. Su principal exponente fue Chikamatsu Monzaemon. Durante el período Edo surgió la modalidad kabuki, que sintetizaba las antiguas tradiciones de la música y la interpretación, así como la mímica y la danza, con temas que iban desde lo mundano hasta lo místico. Así como el nō tenía un tono aristocrático, el kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía.

La puesta en escena fue de gran riqueza, con decorados donde destacó la composición cromática, vestidos lujosos y maquillajes simbólicos, representando diferentes personajes o estados de ánimo según el color.

La dicción era de tipo ritual, mezcla de canto y recitativo, en ondulaciones que expresaban la posición o carácter del personaje. Durante el período Edo la literatura evolucionó hacia un mayor realismo, generalmente de tono costumbrista y con una sutil vena humorística, como se ve en la obra de Saikaku Ihara, Jippensha Ikku y Ejima Kiseki. En poesía, la modalidad principal es el haiku, una composición de 17 sílabas, de tono generalmente bucólico, centrada en la naturaleza y el paisaje, destacando Matsuo Bashō, Yosa Buson y Kobayashi Issa.

El género waka continuó, generalmente en chino, representado principalmente por Rai Sanyo.

En el siglo XIX destacó el novelista Takizawa Bakin, autor de Satomi Kakkenden (La vida de ocho perros). En la época contemporánea la literatura ha recibido -como en el resto de las artes- la influencia occidental, perceptible desde finales del siglo XIX en la influencia ejercida por autores como Víctor Hugo y Lev Tolstoi, principalmente en novelistas como Mazamune Hakucho, Kafū Nagai , Natsume Sōseki, Morita Sohei, Yasunari Kawabata (Premio Nobel de Literatura en 1968), etc.

Esta generación se vio truncada por la Segunda Guerra Mundial, cuando se impuso una estricta censura. Posteriormente, las letras japonesas se han visto inmersas en corrientes vanguardistas, aunque algunos escritores han continuado con el estilo tradicional, como Shōhei Ōka, Hotta Yoshie y Fukuda Tsuneari.

Entre los principales escritores contemporáneos se encuentran Yukio Mishima, Kōbō Abe, Shintarō Ishihara, Ito Sei, Murō Saisei, Miki Rofu, Satō Haruo y Kenzaburō Ōe (premio Nobel en 1994).

Cine

El cine japonés une la tecnología moderna con la temática tradicional, con un sentido estético particular que otorga gran importancia a la letra visual. Introducido en 1896, siempre ha gozado de gran popularidad. En 1908 se crearon los primeros estudios cinematográficos japoneses, destacándose posteriormente Nikkatsu (creado en 1912) y Shōchiku (aparecido en 1920).

Desde el principio, el cine tomó prestado en gran medida del teatro tradicional japonés y se dividió en dos corrientes: gendai-geki, de temática contemporánea, y jidai-geki, de temática histórica.

El cine mudo incorporó figuras como el onnagata, actor que interpreta un papel femenino, y el benshi, un recitador que comenta la película durante la proyección. Entre los primeros cineastas se encuentran Yasujirō Ozu y Mikio Naruse. En 1931 se introduce el cine sonoro, con la aparición de la gran figura de Kenji Mizoguchi (Las hermanas de Gion, 1936).

Con el conflicto chino-japonés se pusieron de moda las películas bélicas, y durante la Guerra Mundial el cine fue un instrumento de propaganda nacionalista. En la posguerra hubo una mayor influencia occidental y vanguardista, con un estilo entre tradicional e innovador que, junto a elaborados guiones, destacó por su idealización visual y el valor otorgado a la fotografía.

El principal exponente de este período fue Akira Kurosawa, autor de obras como Rashōmon (1950), Los siete samuráis (1954), Yojimbo (1961), Dersu Uzala (1975), Kagemusha (1980) y Ran (1985).

Han destacado directores posteriores como Nagisa Ōshima, Hiroshi Inagaki, Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Shohei Imamura, Kinji Fukasaku, Hayao Miyazaki, Takeshi Kitano, Takashi Miike, Mamoru Oshii, Hirokazu Koreeda, etc.

Tira cómica

Japón es el centro de producción del manga, un género de cómic que ha tenido un gran éxito internacional desde los años 80. Se caracteriza por largas epopeyas de gran dinamismo, con abundantes efectos sonoros, teniendo un punto de origen en la tradición gráfica ukiyo-e.

Aunque su inicio está vinculado a la revista Manga Shōnen (1947), de Osamu Tezuka, sería a finales de los años 80 cuando alcanzaría su mayor repercusión, con Akira de Katsuhiro Otomo (1982-93) y Dragon Ball de Akira. Toriyama (1984-95).

Desde sus inicios con una estética un tanto infantil, el manga ha evolucionado hacia un estilo más realista y fotográfico, abriéndose a nuevos géneros y tipologías e incorporando elementos satíricos, humorísticos, terroríficos, violentos y eróticos (hentai).

Entre los principales creadores de estos últimos años destacan: Fujio Akatsuka, Tetsuya Chiba, Riyoko Ikeda, Shigeru Mizuki, Gō Nagai, Keiji Nakazawa, Monkey Punch, Tsukasa Hōjō, Ryōichi Ikegami, Masakazu Katsura, Mitsuru Adachi, Jirō Taniguchi, Takehiko Inoue, Eiichirō Oda, Masashi Kishimoto, Masami Kurumada, Naoko Takeuchi, Chiho Saito y Hiro Mashima.

Juegos de vídeo

Japón es uno de los principales países productores de videojuegos, género artístico reconocido en Europa por los premios BAFTA y recientemente en Estados Unidos por la NEA. Los videojuegos atravesaron una crisis en 1983, pero gracias al diseñador de videojuegos japonés Shigeru Miyamoto lograron salir adelante y siguen siendo parte de la cultura contemporánea de Japón.

Uno de los primeros éxitos de la industria japonesa de los videojuegos fue Space Invaders, de Taito Corporation (1978). Posteriormente, el principal productor de videojuegos en Japón ha sido Nintendo, liderado por Hiroshi Yamauchi, quien convirtió una pequeña empresa familiar de tarjetas hanafuda en una empresa de videojuegos multimillonaria de renombre mundial.

Fue Yamauchi quien contrató a Shigeru Miyamoto y juntos revolucionaron el mundo de los videojuegos. El primer éxito de Nintendo fue la serie Game & Watch, una serie de máquinas con tecnología LCD que hacía las veces de reloj, diseñadas por Gunpei Yokoi.

En 1983 lanzaron su consola Famicom, que fue un gran éxito, y en cuyo catálogo figuraban juegos como el clásico Donkey Kong. Posteriormente se lanzaron videojuegos de éxito como Tennis, Dragon Quest, The Legend of Zelda o Final Fantasy.

En los años 80 también surgieron otras empresas -generalmente dedicadas a los juegos arcade- como Capcom, Konami, Irem, Jaleco, SNK o Sega. Tras la crisis de 1983, Nintendo reconvirtió la Famicom en Nintendo Entertainment System, con la que se propuso conquistar los mercados americano y europeo, y con la nueva creación de Miyamoto, Super Mario Bros.,

Fue un gran éxito. Desde entonces, la constante innovación en el mundo de las consolas (Sega Mega Drive, Super Nintendo, Game Boy, Sony PlayStation, Nintendo DS, PlayStation Portable, Nintendo Wii) ha convertido a la industria japonesa en una de las principales productoras de videojuegos del mundo.